Novedades 11 de abril

Indie, música de raíz, electro pop internacional, regresos por todo lo alto, colaboraciones interesantes, temas intimistas, flamenco reivindicativo o el urbano más mainstream. Todo tiene cabida en nuestro Top10 de las novedades semanales del 11 de abril. Una vez más, nos ha costado realizar la selección de temas, aunque siempre intentamos que haya variedad y, sobre todo, calidad. Ya sabéis que podéis escuchar la lista completa de novedades en nuestro Spotify.

Mi nombre, Leire Martínez

Con Mi nombre, Leire Martínez comienza su carrera en solitario sin olvidar la herencia pop melódica que la hizo conocida en La oreja de Van Gogh, pero construyendo un nuevo camino lleno de fuerza y empoderamiento. La canción no es solo un nuevo single. Es una carta de presentación, un gesto artístico que suena a liberación y a nuevos comienzos. Continuando con el estilo que lleva explorando desde sus inicios, Leire le imprime fuerza e identidad a este tema pop-rock en el que nos sumergimos en su voz dispuestos a envolvernos en esa manta a la que le tenemos cariño porque nos ha acompañado durante muchos años, pero descubriendo también una identidad propia y nuevos matices.

La artista vasca canta desde un lugar diferente: menos ingenuo, más consciente. Mi nombre, un tema que ha construido junto a Pedro Elipe y Marc Montserrat Ruiz, es una declaración de autonomía, una afirmación de la identidad propia más allá de etiquetas, pasados o expectativas. Y la letra no suena a consigna, sino a verdad dicha en voz alta después de un largo proceso. Mi nombre tampoco esconde el beef a sus ex compañeros de La oreja de Van Gogh con frases como “nunca fui tuya, búscate alguien que me sustituya”. Sin embargo, no lo hace desde la amargura, sino desde su nueva realidad. Leire se muestra vulnerable sin caer en lo dramático, y poderosa sin necesidad de gritar. Mi nombre no pretende revolucionar el pop en español, pero sí marca una transición valiente en una artista que ha decidido buscar su voz propia, sin renegar de su historia. Es una canción que suena a madurez, a segunda oportunidad, a todo lo que llega cuando una se elige a sí misma.

Fantasía, Nathy Peluso y Pabllo Vittar

Un reguetón lento cargado de fuerza y ritmos brasileros con dos voces que brillan por derecho propio es lo que encontramos en Fantasía, tema en el que Nathy Peluso y Pabllo Vittar unen fuerzas para crear un tema que va a visitar a menudo las pistas de baile este verano. Una base pop con tintes electrónicos y una producción que se apoya abiertamente en la percusión se unen con una estética camp y de lujo kitsch. La canción te va sorprendiendo a cada poco gracias a los cambios de ritmo y de voz de estas dos divas que construyen coros y manejan un tempo pensado “para menear” como dice la propia Peluso, pero también para construir un espacio en el que la “fantasía” puede convertirse en realidad. La voz de la artista de origen argentino, con su mezcla de fuerza teatral y groove callejero, encuentra un complemento perfecto en la sensualidad aguda de Pabllo Vittar. Juntas, no compiten: se celebran. Se lanzan guiños, se responden, se potencian. El resultado es una dinámica fluida, cargada de química, que convierte el tema en algo más que una suma de talentos: en una pequeña performance del deseo compartido.

Líricamente, Fantasía se mueve entre el juego y la afirmación. No hay ambigüedad en el mensaje: aquí se canta al placer, a la belleza, a la libertad de ser y de sentirse deseable sin culpa. Es un tema que reivindica el goce sin rodeos, en un tono lúdico pero también empoderado. “Te gusta mi fantasía, papi”, repiten, como un mantra orgulloso, cargado de ironía y poder. En un panorama latino donde muchas colaboraciones tienden a repetirse en fórmulas seguras, lo de Nathy y Pabllo es una celebración de la diferencia. Ambas han hecho de su identidad una bandera, y en esta canción lo demuestran con estilo, descaro y mucha inteligencia sonora.

Tramuntana, Guitarricadelafuente

Lo nuevo de Guitarricadelafuente es casi una nana que te invita a mecerte sobre el viento para emocionarte en un viaje a través de una noche de amor a orillas del mar. Profundamente nostálgica, la voz rasgada y tan particular del artista respira a través de una producción sencilla y una melodía a la guitarra acompañada por unos sintetizadores que a veces se transforman en brisa marina. La progresión se sostiene sobre acordes menores y una cadencia que evoca la sensación de no llegar nunca del todo, de estar atrapado entre la partida y el regreso. Un concepto que encaja perfectamente con la letra, en la que Guitarrica lucha entre acelerar o poner el freno “hechizado de Tramuntana”. De hecho, ese viento seco del norte típico del Mediterráneo alberga cierto componente mítico: se dice que su intensidad puede afectar el estado de ánimo, provocar inquietud o incluso inducir una «locura poética» como la que nos evoca el de Benicasim.

Sin necesidad de grandes artificios, la canción consigue lo que muchas anhelan: quedarse. Es de esas que uno quiere volver a poner al terminar, como quien relee una carta o repite un sueño que le gusta. En apenas tres minutos, Guitarricadelafuente ofrece un viaje breve pero profundo que brilla por su autenticidad. Con este tema, el artista sigue construyendo un universo propio, donde conviven lo rural y lo urbano, lo antiguo y lo nuevo, lo íntimo y lo universal. Tramuntana es una canción que se cuela sin hacer ruido y se queda para siempre en alguna parte de ti.

Santoral (Según Sta. Matilde), María Peláe

La Peláe presenta el tercer adelanto -o “evangelio”- de su próximo disco repartiendo estopa, sátira e ironía con donaire y elegancia. Con Santoral, María Peláe lanza una flecha directa al corazón de los dogmas, con el arte por bandera y el cuerpo como trinchera. En poco más de tres minutos, la artista malagueña convierte el calendario litúrgico en una pasarela de empoderamiento y transgresión flamenca. La producción -llena de picardía, en sintonía con la letra- se mueve entre el pop aflamencado y el sonido electrónico, creando un fondo vibrante sobre el que María se luce con su voz afilada y llena de matices, ayudada por los cambios de ritmo, con un inicio a la guitarra, un estribillo que invita a moverse y una percusión potente. La Peláe no canta: declama, provoca, se ríe, interpela. Es un sermón laico en clave queer.

Santoral es una crítica afilada a los mandatos que han impuesto modelos de mujer sumisa, mártir o silenciada. Es un alegato político que no deja títere con cabeza. Arenga a los jóvenes, alecciona a los mayores con alegría combativa, y en ese giro está su poder: convierte lo sagrado en herramienta de liberación. Reescribe la tradición desde dentro, sin renegar de sus formas, pero transformando su contenido. Santoral confirma lo que ya intuíamos: que María Peláe no ha venido a pasar desapercibida. Su propuesta es única, combativa, divertida y profundamente artística. Y en un panorama musical que a veces teme el exceso o la opinión, ella elige ser todo a la vez: poeta, show woman, activista, cantaora del siglo XXI.

Virgen de la luz, Chica Sobresalto

Chica Sobresalto reivindica a toda una generación de mujeres con Virgen de la luz, un tema que está inspirado en los relatos de su abuela y en el que relata al desnudo la historia de todas aquellas que en su día no tuvieron oportunidad. Con letras tan llenas de mensaje como “no te enseñaron a leer, para servir no hacía falta” o tan desgarradoras como “tus pechos desiguales por aquel cáncer (dura), siempre al servicio de algún hombre (extrema y dura)”, Maialen Gurbindo bebe de sus raíces para construir un relato con el que es imposible no sentirse identificada. Las referencias simbólicas (“virgen”, “luz”, “cruz”) remiten a un imaginario religioso, pero el tono está lejos de ser dogmático, sino más bien al contrario. La artista navarra reasigna esos conceptos para hacerlos suyos en la denuncia.

Musicalmente, el tema es capaz de atrapar con una atmósfera magnética y una producción que mezcla sintetizadores sutiles, arreglos orquestales y una percusión medida que va ganando fuerza conforme avanza el tema. No hay estridencia, pero sí tensión emocional. Es una canción que se abre poco a poco, como quien va perdiendo el miedo a decir lo que siente. La voz de Maialen transmite verdad, con esa intensidad que no necesita nada más. Canta desde un lugar honesto, y eso se percibe. Se permite la fragilidad sin temor a exponerse, y ahí está gran parte de su fuerza. Virgen de la luz continúa la evolución sonora que Chica Sobresalto ha ido tejiendo desde sus primeros trabajos: un pop alternativo que no teme explorar texturas más cinematográficas, con un cuidado especial por las dinámicas. Hay algo de canción indie, algo de himno personal y algo de banda sonora emocional. En tiempos de saturación y velocidad, Virgen de la luz es un espacio de pausa y de búsqueda.

Fue culpa tuya, Luk Ra y Tiago PZK

Por te ver, Mondra

[ES] Mondra presenta Por te ver, el tercer adelanto de su nuevo disco De Ronda. Es una de las once canciones o “estados del cuerpo”, como explica el propio artista, que formarán parte de este álbum conceptual que estará disponible el 6 de mayo. En un ejercicio de minimalismo en la producción, la percusión, el contrabajo y el vibráfono, uno de los instrumentos que empieza a ser característico en las melodías del gallego, son los que cobran el protagonismo. El intimismo de la voz de Mondra hace el resto, tomando el primer plano y creando una atmósfera cargada de emoción.

El tema comienza con suavidad, casi etéreo, dejando que el ritmo vaya fluyendo de forma natural. Y poco a poco se va convirtiendo en una declaración directa y sincera de amor y deseo incontrolable. Una disputa entre la ética y la toxicidad de las relaciones sentimentales que está cargada de ansiedad. La voz de Mondra apoya la letra con tensión contenida. Cada frase suena con una honestidad que hace que el mensaje de la canción llegue directamente al oyente, sin adornos innecesarios. La fusión entre el pop indie, la electrónica suave y las raíces gallegas, que siempre están presentes en todas sus propuestas, construyen un sonido original y lleno de matices. Al final, Por te ver es una canción que demuestra que el pop gallego tiene mucho que ofrecer, con un artista capaz de mezclar sensibilidad, nostalgia y frescura.

[GAL] Mondra presenta Por te ver, o terceiro adianto do seu novo disco De Ronda. Trátase dunha das once cancións, ou «estados do corpo», segundo explica o propio artista, que se incluirán neste disco conceptual, que estará dispoñible o 6 de maio. Nun exercicio de minimalismo na produción, a percusión, o contrabaixo e o vibráfono —un dos instrumentos que comeza a ser característico nas melodías do galego— cobran protagonismo. A intimidade da voz de Mondra fai o resto, collendo o primeiro plano e creando un ambiente cargado de emocións.

O tema comeza suavemente, case etéreo, deixando fluír o ritmo con naturalidade. E pouco a pouco convértese nunha directa e sincera declaración de amor e desexo incontrolable. Unha disputa entre a ética e a toxicidade das relacións sentimentais que está chea de ansiedade. A voz de Mondra apoia as letras cunha tensión contida. Cada frase resoa cunha honestidade que achega a mensaxe da canción directamente ao oínte, sen adornos innecesarios. A fusión de indie pop, electrónica suave e raíces galegas, sempre presentes en todos os seus traballos, crean un son orixinal e matizado. Ao final, Por te ver é unha canción que demostra que o pop galego ten moito que ofrecer, cun artista capaz de conxugar sensibilidade, nostalxia e frescura.

Una boda en Las Vegas, La La Love you

La La Love you abraza con Una boda en Las Vegas el estilo indie pop más puro que los caracteriza. Sintetizadores, sonidos frescos, frases tiradas al descuido y una letra sencilla, pero que describe una situación muy real, construyen una canción que encantará a los amantes del género. Diversión y energía en un himno dedicado a aquellos que se atreven a tomar decisiones impulsivas en la vida, como casarse en el lugar menos esperado.

La melodía comienza creando un entorno brillante y optimista en el que cualquier cosa es posible. La producción conserva ese aire retro que caracteriza al grupo, generando una sensación de ligereza y fiesta que atrapa desde el primer acorde. Es el tipo de canción que te hace mover los pies sin pensarlo demasiado, ideal para cualquier playlist de verano. Líricamente, Una boda en Las Vegas se mantiene fiel al carácter irreverente de la banda. Pero más allá del tono juguetón, la canción también aporta una reflexión sobre lo que significa el compromiso y las relaciones, aunque de una manera ligera y desenfadada. La voz del vocalista encaja muy bien con el pop alegre del tema y las armonías vocales se mezclan con la instrumentación para crear una sensación de celebración, de fiesta interminable. Una boda en Las Vegas reafirma la capacidad de La La Love You para mezclar pop indie con toques de humor y frescura, manteniéndose fieles a sí mismos. 

Júpiter, Sonia Gómez

Hace tiempo que Sonia Gómez vuela sola después de su exitoso paso por la girlband Sweet California. Y con este nuevo tema, la artista construye un viaje cósmico entre el pop, la electrónica y la emoción. En Júpiter la cantante y compositora crea un un sonido que captura esa sensación de estar suspendido entre dos mundos, entre la nostalgia terrenal y la inmensidad del universo. Su voz tiene una cualidad que conecta a la perfección con el concepto de la canción: es delicada, pero tiene una fuerza interna que se va sintiendo más conforme avanza el tema. La producción se va construyendo capa por capa, con sintetizadores espaciales, percusión suave y pequeños detalles de texturas que enriquecen la pieza sin sobrecargarla.

La letra aborda temas de amor, deseo y desilusión, pero lo hace de una manera abstracta, como si Sonia nos hablara desde un plano superior, reflexionando sobre sus sentimientos desde una distancia que solo el espacio podría ofrecer. La figura de Júpiter no solo hace referencia al planeta más grande de nuestro sistema solar, sino que se convierte en una metáfora de la grandiosidad y la levedad de los sentimientos, de esos amores que nos invaden como planetas, pero que, a la vez, nos dejan con la sensación de ser pequeños en su inmensidad. En resumen, Júpiter es una obra que muestra la capacidad de Sonia Gómez para fusionar géneros y sensaciones y que supone un paso más en su carrera en solitario.

Cuntissimo, Marina

Con Cuntíssimo, Marina (antes conocida como Marina and the Diamonds) nos regala uno de los temas más provocadores, empoderados y liberadores de su carrera. Esta canción, que forma parte de su etapa más reciente como artista independiente, es un estallido de energía queer, sensualidad desbordante y afirmación radical del cuerpo y del deseo, todo en un envoltorio electro pop tan brillante como implacable.

Desde el primer segundo, el tema se impone con una base electrónica intensa, ácida y vibrante, que recuerda tanto al hyperpop como al electroclash más punk de los años 2000. La producción es afilada, atrevida, sin miedo a ser maximalista, destacando el sonido de las cuerdas de los violines en momentos claves de la canción. Marina se desliza por esta base con una voz que se mueve entre el canto teatral, el susurro cómplice y la declaración frontal. Hay en su interpretación una actitud que mezcla descaro, ironía y total autoconfianza. Lo más potente de Cuntíssimo es que no se limita a provocar por el mero hecho de escandalizar. Lo hace para abrir espacios, para dinamitar normas, para subvertir discursos que han controlado los cuerpos y los placeres. Marina convierte el hedonismo en una forma de resistencia y el exceso en un arma política. La canción es un desfile, un ritual, una performance. Marina ha creado una canción que vibra con la energía de lo no domesticado, lo queer, lo desbordante. Un latigazo liberador que celebra el cuerpo, el deseo y la identidad con total desparpajo.